Eleven Shades è ora disponibile nel mondo — Un viaggio di sette anni per La Soñada / Eleven Shades Is Out Now Worldwide — A Seven-Year Journey for La Soñada

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Undici tracce, come undici corde.
Eleven Shades nasce da questa corrispondenza semplice e necessaria: ogni corda della Soñada apre una possibilità, ogni possibilità diventa forma, ogni forma si trasforma in un’ombra diversa del suono.

L’intero lavoro attraversa mondi artistici e intellettuali differenti. Light Side è ispirato alla ricerca spaziale e luminosa di Lucio Fontana; Helgoland dialoga con il pensiero di Werner Heisenberg e con gli enigmi della fisica quantistica. Dubliners e Mindchambers nascono invece dall’universo letterario di James Joyce, dal flusso di coscienza e dalla musicalità nascosta della parola.

The Gate of Hell prende forma osservando La Porta dell’Inferno di Auguste Rodin, opera monumentale e inquieta che sembra non trovare mai una conclusione definitiva, mentre L’uomo dei boschi e Il più lungo giorno sono profondamente legati alla figura poetica e visionaria di Dino Campana.

Con SAMO© il suono entra nell’immaginario di Jean-Michel Basquiat, tra segni, frammenti e tensione urbana. Bach and Back nasce come un dialogo aperto con Johann Sebastian Bach, tra memoria e improvvisazione. Against the Tide è resistenza pura: non un racconto, ma una tensione interna alla materia ritmica, un avanzare contro una forza invisibile. Fluctus, infine, si ispira alle architetture fluide e visionarie di Zaha Hadid, trasformando il movimento dello spazio in materia sonora.

In tutto il disco la Soñada non è solo uno strumento, ma un territorio ancora in formazione. Le sue undici corde non ampliano semplicemente l’estensione: modificano il modo stesso di pensare il suono, costringono a cercare nuovi equilibri, nuove tensioni, nuove fragilità.

Eleven Shades è il risultato di un lungo processo creativo durato sette anni, tra scrittura, ricerca sonora e registrazione. Un percorso fatto di tentativi, resistenze, smarrimenti e scoperte, che non cerca una sintesi definitiva. Piuttosto, lascia intravedere undici possibilità — undici modi diversi di abitare il suono — sapendo che, oltre ciascuna di esse, resta sempre qualcosa che non si lascia dire, ma solo ascoltare.

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Eleven tracks, like eleven strings.
Eleven Shades was born from this simple and necessary correspondence: each string of La Soñada opens a possibility, each possibility becomes form, and each form turns into a different shade of sound.

The entire album moves through different artistic and intellectual worlds. Light Side is inspired by the spatial and luminous research of Lucio Fontana; Helgoland enters into dialogue with the thought of Werner Heisenberg and the mysteries of quantum physics. Dubliners and Mindchambers emerge from the literary universe of James Joyce, from stream of consciousness and the hidden musicality of language.

The Gate of Hell takes shape through The Gates of Hell by Auguste Rodin, a monumental and restless work that seems never to reach a definitive conclusion, while L’uomo dei boschi and Il più lungo giorno are deeply connected to the poetic and visionary figure of Dino Campana.

With SAMO©, sound enters the world of Jean-Michel Basquiat through signs, fragments, and urban tension. Bach and Back was conceived as an open dialogue with Johann Sebastian Bach, balancing memory and improvisation. Against the Tide is pure resistance: not a narrative, but a tension embedded within rhythm itself, a movement against an invisible force. Finally, Fluctus draws inspiration from the fluid and visionary architecture of Zaha Hadid, transforming spatial movement into sonic matter.

Throughout the album, La Soñada is not merely an instrument, but a territory still in the process of becoming. Its eleven strings do not simply expand the range: they transform the very way sound can be imagined, forcing the search for new balances, new tensions, and new fragilities.

Eleven Shades is the result of a long creative process spanning seven years, between composition, sonic research, and recording. A journey made of attempts, resistance, disorientation, and discoveries, which does not seek a definitive synthesis. Instead, it reveals eleven possibilities — eleven different ways of inhabiting sound — knowing that beyond each of them there will always remain something that cannot truly be explained, only listened to.

FLUCTUS

Il titolo Fluctus, dal latino “onda”, evoca il movimento fluido e dinamico che caratterizza le opere di Zaha Hadid. La sua architettura, svincolata da schemi rigidi, ha ridefinito lo spazio attraverso forme che sembrano in costante evoluzione, dialogando con l’ambiente e la percezione. Questo spirito visionario si riflette nella concezione musicale dell’opera, dove la struttura formale si sviluppa in modo organico, come una sequenza di flussi sonori in continua trasformazione.

Fluctus esplora una grammatica musicale che si muove tra tensione e rilascio, equilibrio e slancio, evocando la sensazione di movimento perpetuo. La struttura ciclica dell’opera richiama, in forma libera, l’idea di una passacaglia, intesa non come schema formale rigido ma come principio di ritorno e trasformazione.

Struttura musicale

La forma dell’opera è ispirata alla libertà strutturale e alla fluidità delle linee caratteristiche del linguaggio architettonico di Zaha Hadid. Pur mantenendo un’ossatura portante, la composizione si sviluppa attraverso modulazioni che si intrecciano senza soluzione di continuità, come superfici che si piegano e si estendono nello spazio.

• Introduzione (Emergere): l’incipit suggerisce un lento affiorare, come un’architettura che prende forma nello spazio attraverso un gioco di timbri e risonanze.
• Flussi sonori e variazioni timbriche: il materiale tematico iniziale si trasforma continuamente attraverso variazioni dinamiche, tessiture sovrapposte e frammenti in dissolvenza, richiamando le geometrie fluide e complesse di Zaha Hadid.
• Tensioni e slanci: contrasti tra sezioni liriche e momenti di impeto improvviso creano una sensazione di sospensione e leggerezza, come strutture che sfidano la gravità.
• Conclusione (Divenire): il finale si dissolve in un’eco lontana, lasciando l’ascoltatore in uno stato di apertura, come un orizzonte che si dilata oltre i confini del visibile.

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The title Fluctus, from the Latin “wave,” evokes the fluid and dynamic movement that characterizes the works of Dame Zaha Hadid Mohammad. Her architecture, free from rigid schemes, redefined space through forms that seem in constant evolution, interacting with both environment and perception. This visionary spirit is reflected in the musical conception of the piece, where the formal structure develops organically, like a sequence of sound flows in continuous transformation. Fluctus explores a musical grammar that moves between tension and release, balance and impulse, evoking the sensation of perpetual motion. The cyclical structure of the work evokes, in a free manner, the idea of a passacaglia, understood not as a rigid formal scheme but as a principle of return and transformation. Musical Structure The form of the piece is inspired by the structural freedom and fluidity of the lines characteristic of Hadid’s architectural language. While maintaining a supporting framework, the composition develops through modulations that intertwine seamlessly, like surfaces bending and expanding in space. • Introduction (Emerging): The opening suggests a slow emergence, like an architecture taking shape in space through a play of timbres and resonances. • Sound flows and timbral variations: The initial thematic material continuously transforms through dynamic variations, overlapping textures, and fading fragments, recalling Hadid’s fluid and complex geometries. • Tensions and surges: Contrasts between lyrical sections and moments of sudden impetus create a sensation of suspension and lightness, akin to structures that defy gravity. • Conclusion (Becoming): The finale dissolves into a distant echo, leaving the listener in a state of openness, like a horizon expanding beyond visible boundaries.

MINDCHAMBERS

Mindchambers nasce come un piccolo omaggio a James Joyce e alla sua prima raccolta poetica, Chamber Music, pubblicata a Londra nel 1907.

Molto prima delle grandi architetture narrative di Ulysses o delle vertigini linguistiche di Finnegans Wake, Joyce scrive queste poesie brevi e limpide: frammenti lirici attraversati da un sentimento amoroso discreto, spesso rivolto alla figura di Nora Barnacle, la donna che diventerà sua compagna per tutta la vita. In quelle pagine la voce poetica è ancora raccolta, quasi pudica, e la musicalità non è un semplice ornamento ma la vera struttura del testo.

Il titolo stesso — Chamber Music — suggerisce una dimensione intima. Non la vastità della forma sinfonica, ma lo spazio raccolto di una stanza, dove il suono può esistere nella sua fragilità e nella sua prossimità.

Leggendo queste poesie si ha spesso l’impressione di assistere a una successione di brevi quadri della mente: immagini che appaiono per un momento e poi si dissolvono, pensieri che emergono e subito si trasformano. La scrittura procede per illuminazioni brevi, come una sequenza di istanti percettivi.

Il titolo Mindchambers nasce da questa intuizione. Se Chamber Music allude a una stanza sonora, Mindchambers suggerisce invece una serie di stanze interiori: spazi della mente in cui immagine, memoria e suono si riflettono l’uno nell’altro.

Il brano, della durata di poco più di un minuto e mezzo, non intende illustrare un testo preciso. È piuttosto una istantanea sonora, un frammento che cerca di evocare quella sospensione lieve e quasi onirica che attraversa le poesie giovanili di Joyce.

La linea musicale si muove con un carattere vagante, come un pensiero che prende forma senza voler davvero arrivare a una conclusione. Brevi figure melodiche emergono, si trasformano e si dissolvono. Anche la struttura ritmica contribuisce a questa sensazione di equilibrio instabile, come se il discorso musicale seguisse il ritmo imprevedibile della mente.

In questa breve durata il brano prova a suggerire un altrove possibile: uno spazio sospeso, ancora lontano dalle grandi costruzioni narrative dello scrittore irlandese, ma già attraversato da quella stessa immaginazione mobile e luminosa.

Christian Lavernier Parigi, 2026

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Mindchambers is conceived as a small homage to James Joyce and to his first collection of poems, Chamber Music, published in London in 1907.

Long before the vast narrative architectures of Ulysses and the linguistic vertigo of Finnegans Wake, Joyce wrote these short and luminous poems—lyrical fragments often touched by a discreet sense of love, frequently associated with Nora Barnacle, who would remain his lifelong companion. In these early pages the voice is intimate, almost restrained, and musicality is not decorative but structural.

The title itself—Chamber Music—suggests intimacy. Not the scale of the symphony, but the enclosed space of a room where sound exists in its fragility and closeness.

Reading these poems, one often has the impression of witnessing a sequence of small frames of the mind: images appearing briefly and then dissolving, thoughts emerging only to transform themselves immediately. The writing unfolds through fleeting illuminations, like a series of perceptual moments.

The title Mindchambers grows from this intuition. If Chamber Music evokes a musical room, Mindchambers suggests a series of inner rooms—spaces of the mind where image, memory and sound resonate with one another.

The piece, lasting little more than a minute and a half, does not attempt to illustrate a specific poem. It is rather a musical snapshot, a fragment intended to evoke the suspended, almost dreamlike atmosphere that runs through Joyce’s early poetry.

The musical line moves with a wandering character, like a thought taking shape without necessarily seeking resolution. Brief melodic gestures appear, transform, and fade away. Subtle metric shifts reinforce this sense of delicate instability, as if the music were following the unpredictable rhythm of the mind itself.

Within its brief duration, the piece attempts to suggest a possible elsewhere—a suspended space that precedes the great narrative constructions of Joyce’s later work, yet already carries the trace of that restless and luminous imagination.

Christian Lavernier Paris, 2026

AGAINST THE TIDE

Against the Tide si configura come una forma processuale costruita sull’idea di resistenza cinetica. Il titolo non allude a un programma descrittivo, ma a una condizione dinamica: l’attraversamento di una forza contraria. L’opera si articola in tre zone energetiche principali, determinate più da variazioni di densità e impulso che da contrasti tematici tradizionali. La prima sezione (♩ = ca. 58, Dolce e sospeso) costruisce uno spazio armonico rarefatto, fondato su cellule iterative e su una percezione del tempo dilatata. La scrittura privilegia la sospensione e la micro-tensione interna tra linea e risonanza, richiedendo un controllo accurato delle durate e della qualità timbrica. La sezione centrale (♩ = ca. 78, Un poco più mosso) introduce una progressiva intensificazione del moto. Il materiale non viene sostituito ma trasformato: le figure si addensano, la pulsazione si fa più percepibile e la tensione si organizza in una direzione vettoriale più definita. La continuità formale nasce dalla trasformazione interna del gesto, non dal contrasto tematico. La parte conclusiva (♩ = ca. 146, Senza cedere, con energia) rappresenta il nucleo strutturale dell’opera. L’elemento ritmico assume funzione generativa: ostinati, reiterazioni e accenti interni producono una spinta costante, quasi percussiva. L’energia non è decorativa ma costitutiva della forma. Il discorso musicale si sviluppa come una progressione contro-inerziale, in cui la continuità del flusso è ottenuta attraverso resistenza e controllo. Dal punto di vista esecutivo, il brano richiede: • precisione nella gestione del tempo interno • controllo delle risonanze nelle sezioni sospese • articolazione nitida e regolare nei passaggi motori • equilibrio tra tensione dinamica e chiarezza timbrica Non si tratta di un virtuosismo spettacolare, ma di una scrittura che esige lucidità strutturale. L’interprete è chiamato a governare l’energia senza accelerarla arbitrariamente, mantenendo coerenza e direzione anche nei punti di massima densità. Against the Tide non descrive un conflitto: lo incarna nella materia ritmica stessa

Parigi, 3 marzo 2026

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Against the Tide unfolds as a process-based form built upon the idea of kinetic resistance. The title does not suggest a descriptive program, but rather a dynamic condition: the act of moving through an opposing force. The work is structured around three principal energetic zones, defined more by variations in density and impulse than by traditional thematic contrast. The opening section (♩ = ca. 58, Dolce e sospeso) establishes a rarefied harmonic space grounded in iterative cells and an expanded perception of time. The writing emphasizes suspension and subtle internal tension between line and resonance, requiring refined control of duration and timbral nuance. The central section (♩ = ca. 78, Un poco più mosso) introduces a gradual intensification of motion. The material is not replaced but transformed: textures become denser, the pulse more perceptible, and tension acquires a clearer directional vector. Formal continuity arises from internal transformation rather than thematic opposition. The final section (♩ = ca. 146, Senza cedere, con energia) constitutes the structural core of the piece. Rhythm assumes a generative function: ostinati, reiterations, and internal accents create a sustained, almost percussive drive. Energy here is not ornamental but constitutive of form. The musical discourse evolves as a counter-inertial progression, where continuity is achieved through resistance and control. From a performance perspective, the piece demands: • precision in the management of internal tempo • control of resonance in suspended passages • clear and consistent articulation in motoric sections • balance between dynamic tension and timbral clarity This is not virtuosity in a purely spectacular sense, but writing that requires structural lucidity. The performer must govern energy without arbitrary acceleration, maintaining coherence and direction even at points of maximum density. Against the Tide does not depict conflict: it embodies it within the rhythmic substance itself.

Parigi, 3 marzo 2026 

WOLF 1069 is finally available worldwide

È finalmente disponibile in tutto il mondo WOLF 1069!

 

Dopo due anni di lavoro emozionante, siamo orgogliosi di annunciare l’uscita del nostro disco Wolf 1069, prodotto da EMA Records. Da oggi è disponibile su tutte le piattaforme del mondo.

Wolf 1069 non è solo un disco, è un viaggio verso l’ignoto. Come l’esopianeta che gli dà il nome – Wolf 1069b, scoperto nel 2023 a 31 anni luce da noi – questo progetto esplora territori sconosciuti, cercando nuove possibilità espressive e artistiche.

La Soñada, l’innovativa chitarra a 11 corde ideata da Carlos Gonzalez con le corde di Mimmo Peruffo, creata appositamente per Christian Lavernier, combina tradizione e visione futuristica, introducendo la chitarra classica in una dimensione inesplorata.

Jacopo Baboni Schilingi, con il supporto di laboratori di ricerca d’avanguardia, ha sviluppato algoritmi che fondono generatività, interattività e intelligenza artificiale, creando una sinergia unica tra l’acustico e il digitale.

Questo progetto risponde a domande cruciali:

• È possibile unire complessità e fruibilità, tradizione e innovazione?
• Come conciliare l’unicità della partitura scritta con la contemporaneità dei suoni generati dall’IA?
• Si può creare un’opera musicale che abbracci passato e futuro, in una trasformazione continua?

Wolf 1069 è un’opera metamorfica, in cui il dialogo tra lo strumento acustico e la tecnologia dà vita a un’esperienza senza precedenti: i suoni della Soñada, rielaborati dall’intelligenza artificiale, si intrecciano con gesti e figure riconosciuti dai sensori, portando la performance musicale verso un nuovo orizzonte.

Come ogni viaggio verso l’ignoto, sappiamo da dove partiamo ma non dove arriveremo. Wolf 1069 è un’opera aperta, in continua trasformazione, che si nutre delle esperienze che viviamo e condividiamo. È musica per il XXI secolo, ma capace di dialogare con le radici profonde della tradizione.

Grazie a tutti coloro che ci hanno accompagnato lungo questa strada. Ora tocca a voi esplorare questo nuovo mondo. Ascoltate, condividete e fateci sapere cosa ne pensate!

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WOLF 1069 is finally available worldwide!

 

After two years of exciting work, we are proud to announce the release of our album Wolf 1069, produced by EMA Records. Starting today, it is available on all platforms worldwide.

Wolf 1069 is not just an album; it’s a journey into the unknown. Like the exoplanet it’s named after – Wolf 1069b, discovered in 2023, 31 light-years away from us – this project explores uncharted territories, searching for new artistic and expressive possibilities.

La Soñada, the innovative 11-string guitar designed by Carlos Gonzalez with strings by Mimmo Peruffo, specially created for Christian Lavernier, combines tradition and futuristic vision, introducing classical guitar into an unexplored dimension.

Jacopo Baboni Schilingi, with the support of cutting-edge research labs, has developed algorithms that blend generativity, interactivity, and artificial intelligence, creating a unique synergy between acoustic and digital.

This project addresses crucial questions:

• Is it possible to merge complexity and accessibility, tradition and innovation?
• How can the uniqueness of written music coexist with the contemporaneity of AI-generated sounds?
• Can a musical work embrace both the past and the future in a continuous transformation?

Wolf 1069 is a metamorphic work, where the dialogue between the acoustic instrument and technology creates an unprecedented experience: the sounds of the Soñada, processed by artificial intelligence, intertwine with gestures and shapes recognized by sensors, pushing musical performance toward a new horizon.

Like every journey into the unknown, we know where we start but not where we will end. Wolf 1069 is an open work, continuously evolving, nourished by the experiences we live and share. It is music for the 21st century, yet capable of engaging with the deep roots of tradition.

Thank you to everyone who has accompanied us on this journey. Now it’s your turn to explore this new world. Listen, share, and let us know what you think!

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Leo Brouwer “Habanera Trunca”por la Soñada

Il più Lungo Giorno – MUSIC SCORE AVAILABLE

Prefazione

“Il più lungo giorno” è il titolo originario che Dino Campana attribuì ai Canti Orfici, prima che Papini e Soffici perdessero, nel novembre del 1913, il manoscritto, unico esemplare esistente, come dichiarato dallo stesso Campana. Mentre “l’uomo dei boschi” era il soprannome usato per riferirsi a Dino Campana dagli abitanti di Marradi, a causa del suo comportamento schivo e a volte non convenzionale. Nell’ottobre 2023 ho intrapreso un viaggio nella scrittura di una serie di opere dedicate a Dino Campana. Alcune di queste, come la presente, sono concepite per Soñada sola, mentre altre costituiranno il corpus di un lavoro più ampio dedicato al melologo per Soñada e Voce recitante. Durante una conversazione con la mia agente Elena Marazzita riguardante alcuni testi utilizzabili per un progetto di diversa natura, la visione del materiale campaniano mi ha affascinato così tanto che ho subito concepito l’idea di creare un’opera dedicata al poeta di Marradi. Ho quindi contattato Gianni Turchetta, studioso di Campana e docente di lettere moderne all’Università Statale di Milano, il quale è diventato fonte di ispirazione e una miniera inesauribile di sapere. Gianni Turchetta ha dedicato instancabilmente decenni allo studio dei testi di Campana ed è il curatore del Meridiano Mondadori dedicato al poeta. A Elena e Gianni dedico queste pagine. Parigi 6 Maggio 2024

Foreword

“The Longest Day” is the original title that Dino Campana attributed to the Canti Orfici, before Papini and Soffici lost, in November 1913, the manuscript, the only existing copy, as stated by Campana himself. Meanwhile, “the man of the woods” was the nickname used to refer to Dino Campana by the people of Marradi, due to his shy and sometimes unconventional behavior. In October 2023, I embarked on a journey in writing a series of works dedicated to Dino Campana. Some of these, like the present one, are designed for Soñada alone, while others will form a corpus of a larger work dedicated to the melodist for Soñada and Reciting Voice. During a conversation with my agent, Elena Marazzita, regarding some texts usable for a project of a different nature, the vision of Campana’s material fascinated me so much that I immediately conceived the idea of creating a work dedicated to the poet of Marradi. I then contacted Gianni Turchetta, a scholar of Campana and professor of modern literature at the University of Milan, who became a source of inspiration and an inexhaustible mine of knowledge. Gianni Turchetta has tirelessly dedicated decades to studying Campana’s texts and is the curator of the Meridiano Mondadori dedicated to the poet. I dedicate these pages to Elena and Gianni. Paris, May 6, 2024.

 

Il più lungo giorno – scors available https://www.hoepli.it/ebook/l-uomo-dei-boschi/9788899348649.html

L’uomo dei Boschi – Music score available

Prefazione

“Il più lungo giorno” è il titolo originario che Dino Campana attribuì ai Canti Orfici, prima che Papini e Soffici perdessero, nel novembre del 1913, il manoscritto, unico esemplare esistente, come dichiarato dallo stesso Campana. Mentre “l’uomo dei boschi” era il soprannome usato per riferirsi a Dino Campana dagli abitanti di Marradi, a causa del suo comportamento schivo e a volte non convenzionale. Nell’ottobre 2023 ho intrapreso un viaggio nella scrittura di una serie di opere dedicate a Dino Campana. Alcune di queste, come la presente, sono concepite per Soñada sola, mentre altre costituiranno il corpus di un lavoro più ampio dedicato al melologo per Soñada e Voce recitante. Durante una conversazione con la mia agente Elena Marazzita riguardante alcuni testi utilizzabili per un progetto di diversa natura, la visione del materiale campaniano mi ha affascinato così tanto che ho subito concepito l’idea di creare un’opera dedicata al poeta di Marradi. Ho quindi contattato Gianni Turchetta, studioso di Campana e docente di lettere moderne all’Università Statale di Milano, il quale è diventato fonte di ispirazione e una miniera inesauribile di sapere. Gianni Turchetta ha dedicato instancabilmente decenni allo studio dei testi di Campana ed è il curatore del Meridiano Mondadori dedicato al poeta. A Elena e Gianni dedico queste pagine. Parigi 6 Maggio 2024

Foreword

“The Longest Day” is the original title that Dino Campana attributed to the Canti Orfici, before Papini and Soffici lost, in November 1913, the manuscript, the only existing copy, as stated by Campana himself. Meanwhile, “the man of the woods” was the nickname used to refer to Dino Campana by the people of Marradi, due to his shy and sometimes unconventional behavior. In October 2023, I embarked on a journey in writing a series of works dedicated to Dino Campana. Some of these, like the present one, are designed for Soñada alone, while others will form a corpus of a larger work dedicated to the melodist for Soñada and Reciting Voice. During a conversation with my agent, Elena Marazzita, regarding some texts usable for a project of a different nature, the vision of Campana’s material fascinated me so much that I immediately conceived the idea of creating a work dedicated to the poet of Marradi. I then contacted Gianni Turchetta, a scholar of Campana and professor of modern literature at the University of Milan, who became a source of inspiration and an inexhaustible mine of knowledge. Gianni Turchetta has tirelessly dedicated decades to studying Campana’s texts and is the curator of the Meridiano Mondadori dedicated to the poet. I dedicate these pages to Elena and Gianni. Paris, May 6, 2024.

 

 

 

L’uomo dei boschi – scors available https://www.hoepli.it/ebook/l-uomo-dei-boschi/9788899348649.html

 

Prefazione

“Il più lungo giorno” è il titolo originario che Dino Campana attribuì ai Canti Orfici, prima che Papini e Soffici perdessero, nel novembre del 1913, il manoscritto, unico esemplare esistente, come dichiarato dallo stesso Campana. Mentre “l’uomo dei boschi” era il soprannome usato per riferirsi a Dino Campana dagli abitanti di Marradi, a causa del suo comportamento schivo e a volte non convenzionale. Nell’ottobre 2023 ho intrapreso un viaggio nella scrittura di una serie di opere dedicate a Dino Campana. Alcune di queste, come la presente, sono concepite per Soñada sola, mentre altre costituiranno il corpus di un lavoro più ampio dedicato al melologo per Soñada e Voce recitante. Durante una conversazione con la mia agente Elena Marazzita riguardante alcuni testi utilizzabili per un progetto di diversa natura, la visione del materiale campaniano mi ha affascinato così tanto che ho subito concepito l’idea di creare un’opera dedicata al poeta di Marradi. Ho quindi contattato Gianni Turchetta, studioso di Campana e docente di lettere moderne all’Università Statale di Milano, il quale è diventato fonte di ispirazione e una miniera inesauribile di sapere. Gianni Turchetta ha dedicato instancabilmente decenni allo studio dei testi di Campana ed è il curatore del Meridiano Mondadori dedicato al poeta. A Elena e Gianni dedico queste pagine. Parigi 6 Maggio 2024

Foreword

“The Longest Day” is the original title that Dino Campana attributed to the Canti Orfici, before Papini and Soffici lost, in November 1913, the manuscript, the only existing copy, as stated by Campana himself. Meanwhile, “the man of the woods” was the nickname used to refer to Dino Campana by the people of Marradi, due to his shy and sometimes unconventional behavior. In October 2023, I embarked on a journey in writing a series of works dedicated to Dino Campana. Some of these, like the present one, are designed for Soñada alone, while others will form a corpus of a larger work dedicated to the melodist for Soñada and Reciting Voice. During a conversation with my agent, Elena Marazzita, regarding some texts usable for a project of a different nature, the vision of Campana’s material fascinated me so much that I immediately conceived the idea of creating a work dedicated to the poet of Marradi. I then contacted Gianni Turchetta, a scholar of Campana and professor of modern literature at the University of Milan, who became a source of inspiration and an inexhaustible mine of knowledge. Gianni Turchetta has tirelessly dedicated decades to studying Campana’s texts and is the curator of the Meridiano Mondadori dedicated to the poet. I dedicate these pages to Elena and Gianni. Paris, May 6, 2024.

 

 

 

L’uomo dei boschi – scors available https://www.hoepli.it/ebook/l-uomo-dei-boschi/9788899348649.html

Bach & Back – Music score available

Bach & Back

 

Prefazione

L’idea di scrivere un piccolo omaggio a J.S. Bach, usando un frammento iniziale della Suite per liuto 1006a è nata molti anni fa, e per molto tempo ho utilizzato questo incipit inserendolo in alcune improvvisazioni di concerti live. L’idea proposta è infatti una traccia, che sfrutta la tonalità di Mi Maggiore e che poi muta, inserendo elementi modali esterni alla tonalità. La traccia è una pura indicazione di svolgimento ma l’esecutore potrà prenderne eventualmente spunto per creare la propria strada improvvisata, arricchendo il dialogo musicale. Anche il finale è volutamente “aperto”, in un ipotetico gioco infinito di possibilità mescolando tonalità e modalità, una sorta di “gioco armonico” che di tanto in tanto fa rifiorire il tema iniziale o frammenti del tema iniziale, utilizzati come spunto per ricreare materiale sempre nuovo.

Parigi 6 Dicembre 2023

 

Foreword

 The idea of writing a small homage to J.S. Bach, using an initial fragment from Suite for Lute 1006a, was born many years ago, and for a long time, I have used this incipit for some improvisations during live concerts. The proposed idea is, in fact, a track that exploits the key of E Major and then changes, incorporating modal elements external to the key. The track is a mere indication of development, but the performer can potentially draw inspiration from it to create their own improvised path, enriching the musical dialogue. Even the ending is deliberately “open” in a hypothetical infinite game of possibilities, blending keys and modes, a kind of “harmonic game” that occasionally brings back the initial theme or fragments of the initial theme, used as a starting point to recreate ever-new material.

Paris 6 December 2023

 

Bach & Back – scors available https://www.hoepli.it/ebook/bach-e-back/9788899348496.html

New release available – Platero Y Yo

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Platero Y Yo

(Voice and Guitar and Guitar Solo version)

                     

                                 

 

 

Prefazione di 

Diana Castelnuovo-Tedesco

Platero y yo mi ha sempre affascinato. Di recente ho scoperto che mio nonno lo compose l’estate in cui nacqui. Quest’opera è sempre stata una parte della mia vita, un conforto e un sollievo, come un caro amico. Quando Christian e Ugo mi invitarono ad assistere a un loro spettacolo nel 2019, sentii Platero in un modo diverso. Attraverso la loro rappresentazione, questi due artisti ci immergono in un mondo molto speciale e ci permettono di sentire intensamente la magia di questo racconto universale di amicizia e di vita. Catturano così pienamente le emozioni, la profondità e la potenza delle parole di Jiménez e della musica di Castelnuovo-Tedesco che noi ascoltatori ne veniamo in qualche modo trasformati.

Christian ha trascorso decenni studiando intensamente questa partitura, e i risultati si vedono. Mio nonno non tralasciava nessun dettaglio. Come Christian mi dice spesso, c’è tutto nella partitura per coloro che scelgono di guardare davvero. È proprio questo che Christian e Ugo sono riusciti ad ottenere. Quando ascolto questa registrazione, mi riecheggia alla memoria l’immagine di mio nonno nel suo studio di Beverly Hills, quella lontana estate del 1960. Immagino come sarebbe compiaciuto di ascoltare come, più di 60 anni dopo, la sua opera abbia preso vita in modo così vivido.

Diana Castelnuovo-Tedesco

New York City, Settembre  2023

Foreword by 

Diana Castelnuovo-Tedesco

Platero y yo has always captivated me. I recently learned that my grandfather composed it the summer I was born. It’s always been part of my life, comforting me and uplifting me like a dear friend. In 2019, when Christian and Ugo invited me to attend one of their shows, l experienced Platero at a whole new level. With their performance, these two artists immerse us in a very special world and allow us to intensely feel the magic of this universal tale of friendship and life. They capture so fully the emotions, the depth, and the power of Jiménez words and Castelnuovo-Tedesco’s music that we, as listeners, are transformed.

Christian has spent decades intensely studying this score, and it shows. My grandfather did not leave any detail unconsidered. As Christian often tells me, it’s all there in the score for those who choose to really look – and that’s exactly what Christian and Ugo have done. When I listen to this recording, I think of my grandfather in his studio in Beverly Hills, that long-ago summer of 1960. I also imagine his pleasure at hearing how, more than 60 years later, his work has been brought to life so vividly.

Diana Castelnuovo-Tedesco

New York City, September  2023