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Christian Lavernier

FLUCTUS

Il titolo Fluctus, dal latino “onda”, evoca il movimento fluido e dinamico che caratterizza le opere di Zaha Hadid. La sua architettura, svincolata da schemi rigidi, ha ridefinito lo spazio attraverso forme che sembrano in costante evoluzione, dialogando con l’ambiente e la percezione. Questo spirito visionario si riflette nella concezione musicale dell’opera, dove la struttura formale si sviluppa in modo organico, come una sequenza di flussi sonori in continua trasformazione.

Fluctus esplora una grammatica musicale che si muove tra tensione e rilascio, equilibrio e slancio, evocando la sensazione di movimento perpetuo. La struttura ciclica dell’opera richiama, in forma libera, l’idea di una passacaglia, intesa non come schema formale rigido ma come principio di ritorno e trasformazione.

Struttura musicale

La forma dell’opera è ispirata alla libertà strutturale e alla fluidità delle linee caratteristiche del linguaggio architettonico di Zaha Hadid. Pur mantenendo un’ossatura portante, la composizione si sviluppa attraverso modulazioni che si intrecciano senza soluzione di continuità, come superfici che si piegano e si estendono nello spazio.

• Introduzione (Emergere): l’incipit suggerisce un lento affiorare, come un’architettura che prende forma nello spazio attraverso un gioco di timbri e risonanze.
• Flussi sonori e variazioni timbriche: il materiale tematico iniziale si trasforma continuamente attraverso variazioni dinamiche, tessiture sovrapposte e frammenti in dissolvenza, richiamando le geometrie fluide e complesse di Zaha Hadid.
• Tensioni e slanci: contrasti tra sezioni liriche e momenti di impeto improvviso creano una sensazione di sospensione e leggerezza, come strutture che sfidano la gravità.
• Conclusione (Divenire): il finale si dissolve in un’eco lontana, lasciando l’ascoltatore in uno stato di apertura, come un orizzonte che si dilata oltre i confini del visibile.

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The title Fluctus, from the Latin “wave,” evokes the fluid and dynamic movement that characterizes the works of Dame Zaha Hadid Mohammad. Her architecture, free from rigid schemes, redefined space through forms that seem in constant evolution, interacting with both environment and perception. This visionary spirit is reflected in the musical conception of the piece, where the formal structure develops organically, like a sequence of sound flows in continuous transformation. Fluctus explores a musical grammar that moves between tension and release, balance and impulse, evoking the sensation of perpetual motion. The cyclical structure of the work evokes, in a free manner, the idea of a passacaglia, understood not as a rigid formal scheme but as a principle of return and transformation. Musical Structure The form of the piece is inspired by the structural freedom and fluidity of the lines characteristic of Hadid’s architectural language. While maintaining a supporting framework, the composition develops through modulations that intertwine seamlessly, like surfaces bending and expanding in space. • Introduction (Emerging): The opening suggests a slow emergence, like an architecture taking shape in space through a play of timbres and resonances. • Sound flows and timbral variations: The initial thematic material continuously transforms through dynamic variations, overlapping textures, and fading fragments, recalling Hadid’s fluid and complex geometries. • Tensions and surges: Contrasts between lyrical sections and moments of sudden impetus create a sensation of suspension and lightness, akin to structures that defy gravity. • Conclusion (Becoming): The finale dissolves into a distant echo, leaving the listener in a state of openness, like a horizon expanding beyond visible boundaries. 

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Christian Lavernier

MINDCHAMBERS

Mindchambers nasce come un piccolo omaggio a James Joyce e alla sua prima raccolta poetica, Chamber Music, pubblicata a Londra nel 1907.

Molto prima delle grandi architetture narrative di Ulysses o delle vertigini linguistiche di Finnegans Wake, Joyce scrive queste poesie brevi e limpide: frammenti lirici attraversati da un sentimento amoroso discreto, spesso rivolto alla figura di Nora Barnacle, la donna che diventerà sua compagna per tutta la vita. In quelle pagine la voce poetica è ancora raccolta, quasi pudica, e la musicalità non è un semplice ornamento ma la vera struttura del testo.

Il titolo stesso — Chamber Music — suggerisce una dimensione intima. Non la vastità della forma sinfonica, ma lo spazio raccolto di una stanza, dove il suono può esistere nella sua fragilità e nella sua prossimità.

Leggendo queste poesie si ha spesso l’impressione di assistere a una successione di brevi quadri della mente: immagini che appaiono per un momento e poi si dissolvono, pensieri che emergono e subito si trasformano. La scrittura procede per illuminazioni brevi, come una sequenza di istanti percettivi.

Il titolo Mindchambers nasce da questa intuizione. Se Chamber Music allude a una stanza sonora, Mindchambers suggerisce invece una serie di stanze interiori: spazi della mente in cui immagine, memoria e suono si riflettono l’uno nell’altro.

Il brano, della durata di poco più di un minuto e mezzo, non intende illustrare un testo preciso. È piuttosto una istantanea sonora, un frammento che cerca di evocare quella sospensione lieve e quasi onirica che attraversa le poesie giovanili di Joyce.

La linea musicale si muove con un carattere vagante, come un pensiero che prende forma senza voler davvero arrivare a una conclusione. Brevi figure melodiche emergono, si trasformano e si dissolvono. Anche la struttura ritmica contribuisce a questa sensazione di equilibrio instabile, come se il discorso musicale seguisse il ritmo imprevedibile della mente.

In questa breve durata il brano prova a suggerire un altrove possibile: uno spazio sospeso, ancora lontano dalle grandi costruzioni narrative dello scrittore irlandese, ma già attraversato da quella stessa immaginazione mobile e luminosa.

Christian Lavernier Parigi, 2026

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Mindchambers is conceived as a small homage to James Joyce and to his first collection of poems, Chamber Music, published in London in 1907.

Long before the vast narrative architectures of Ulysses and the linguistic vertigo of Finnegans Wake, Joyce wrote these short and luminous poems—lyrical fragments often touched by a discreet sense of love, frequently associated with Nora Barnacle, who would remain his lifelong companion. In these early pages the voice is intimate, almost restrained, and musicality is not decorative but structural.

The title itself—Chamber Music—suggests intimacy. Not the scale of the symphony, but the enclosed space of a room where sound exists in its fragility and closeness.

Reading these poems, one often has the impression of witnessing a sequence of small frames of the mind: images appearing briefly and then dissolving, thoughts emerging only to transform themselves immediately. The writing unfolds through fleeting illuminations, like a series of perceptual moments.

The title Mindchambers grows from this intuition. If Chamber Music evokes a musical room, Mindchambers suggests a series of inner rooms—spaces of the mind where image, memory and sound resonate with one another.

The piece, lasting little more than a minute and a half, does not attempt to illustrate a specific poem. It is rather a musical snapshot, a fragment intended to evoke the suspended, almost dreamlike atmosphere that runs through Joyce’s early poetry.

The musical line moves with a wandering character, like a thought taking shape without necessarily seeking resolution. Brief melodic gestures appear, transform, and fade away. Subtle metric shifts reinforce this sense of delicate instability, as if the music were following the unpredictable rhythm of the mind itself.

Within its brief duration, the piece attempts to suggest a possible elsewhere—a suspended space that precedes the great narrative constructions of Joyce’s later work, yet already carries the trace of that restless and luminous imagination.

Christian Lavernier Paris, 2026

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Christian Lavernier

AGAINST THE TIDE

Against the Tide si configura come una forma processuale costruita sull’idea di resistenza cinetica. Il titolo non allude a un programma descrittivo, ma a una condizione dinamica: l’attraversamento di una forza contraria. L’opera si articola in tre zone energetiche principali, determinate più da variazioni di densità e impulso che da contrasti tematici tradizionali. La prima sezione (♩ = ca. 58, Dolce e sospeso) costruisce uno spazio armonico rarefatto, fondato su cellule iterative e su una percezione del tempo dilatata. La scrittura privilegia la sospensione e la micro-tensione interna tra linea e risonanza, richiedendo un controllo accurato delle durate e della qualità timbrica. La sezione centrale (♩ = ca. 78, Un poco più mosso) introduce una progressiva intensificazione del moto. Il materiale non viene sostituito ma trasformato: le figure si addensano, la pulsazione si fa più percepibile e la tensione si organizza in una direzione vettoriale più definita. La continuità formale nasce dalla trasformazione interna del gesto, non dal contrasto tematico. La parte conclusiva (♩ = ca. 146, Senza cedere, con energia) rappresenta il nucleo strutturale dell’opera. L’elemento ritmico assume funzione generativa: ostinati, reiterazioni e accenti interni producono una spinta costante, quasi percussiva. L’energia non è decorativa ma costitutiva della forma. Il discorso musicale si sviluppa come una progressione contro-inerziale, in cui la continuità del flusso è ottenuta attraverso resistenza e controllo. Dal punto di vista esecutivo, il brano richiede: • precisione nella gestione del tempo interno • controllo delle risonanze nelle sezioni sospese • articolazione nitida e regolare nei passaggi motori • equilibrio tra tensione dinamica e chiarezza timbrica Non si tratta di un virtuosismo spettacolare, ma di una scrittura che esige lucidità strutturale. L’interprete è chiamato a governare l’energia senza accelerarla arbitrariamente, mantenendo coerenza e direzione anche nei punti di massima densità. Against the Tide non descrive un conflitto: lo incarna nella materia ritmica stessa

Parigi, 3 marzo 2026

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Against the Tide unfolds as a process-based form built upon the idea of kinetic resistance. The title does not suggest a descriptive program, but rather a dynamic condition: the act of moving through an opposing force. The work is structured around three principal energetic zones, defined more by variations in density and impulse than by traditional thematic contrast. The opening section (♩ = ca. 58, Dolce e sospeso) establishes a rarefied harmonic space grounded in iterative cells and an expanded perception of time. The writing emphasizes suspension and subtle internal tension between line and resonance, requiring refined control of duration and timbral nuance. The central section (♩ = ca. 78, Un poco più mosso) introduces a gradual intensification of motion. The material is not replaced but transformed: textures become denser, the pulse more perceptible, and tension acquires a clearer directional vector. Formal continuity arises from internal transformation rather than thematic opposition. The final section (♩ = ca. 146, Senza cedere, con energia) constitutes the structural core of the piece. Rhythm assumes a generative function: ostinati, reiterations, and internal accents create a sustained, almost percussive drive. Energy here is not ornamental but constitutive of form. The musical discourse evolves as a counter-inertial progression, where continuity is achieved through resistance and control. From a performance perspective, the piece demands: • precision in the management of internal tempo • control of resonance in suspended passages • clear and consistent articulation in motoric sections • balance between dynamic tension and timbral clarity This is not virtuosity in a purely spectacular sense, but writing that requires structural lucidity. The performer must govern energy without arbitrary acceleration, maintaining coherence and direction even at points of maximum density. Against the Tide does not depict conflict: it embodies it within the rhythmic substance itself.

Parigi, 3 marzo 2026 

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Leo Brouwer “Habanera Trunca”

Edición Espiral Eterna Por la Soñada 

Sono lieto di annunciare che “Habanera Trunca”, scritta e rielaborata dal Maestro Leo Brouwer appositamente per me e per la Soñada, è finalmente disponibile presso le edizioni Espiral Eterna. Scopritela a questo link:

https://www.eeebrouwer.com/product-page-2/habanera-trunca

Dopo un incontro ravvicinato con Christian Lavernier nel 2017 a Parigi, all’inizio del progetto con la chitarra a 11 corde “La Soñada” progettata e realizzata dal liutaio Carlos Gonzalez, Leo Brouwer ripensa il brano del 2012 “Habanera trunca” per questo nuovo strumento. Il maestro cubano ora prende in considerazione le possibilità espressive delle 11 corde e la personalità di Christian Lavernier. A quest’ultimo, questa nuova versione è espressamente dedicata.

“È un dono inaspettato, un onore ricevere così tanto interesse da un grande maestro come Leo Brouwer. Quattro anni fa ha visto qualcosa in questo strumento che io stavo appena iniziando a conoscere. Ora gli dona una voce.”

C. Lavernier

 

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I am pleased to announce that “Habanera Trunca”, composed and reimagined by Maestro Leo Brouwer especially for me and Soñada, is now available through Espiral Eterna Editions. Discover it at this link:

https://www.eeebrouwer.com/product-page-2/habanera-trunca

After a close meeting with Christian Lavernier in 2017 in Paris, at the beginning of the project with the 11-string guitar “La Soñada” designed and made by luthier Carlos Gonzalez, Leo Brouwer rethinks the 2012 piece “Habanera trunca” for this new instrument. The Cuban master now takes into consideration the expressive possibilities of the 11 strings and the personality of Christian Lavernier. To the latter, this new version is expressly dedicated. “It is an unexpected gift, an honor to have so much interest from a great master such as Leo Brouwer. Four years ago he saw something in this instrument that I was just beginning to know. Now he gives it a voice.” C. Lavernier

 

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Christian Lavernier

“Il più lungo giorno”

Prefazione

“Il più lungo giorno” è il titolo originario che Dino Campana attribuì ai Canti Orfici, prima che Papini e Soffici perdessero, nel novembre del 1913, il manoscritto, unico esemplare esistente, come dichiarato dallo stesso Campana. Mentre “l’uomo dei boschi” era il soprannome usato per riferirsi a Dino Campana dagli abitanti di Marradi, a causa del suo comportamento schivo e a volte non convenzionale. Nell’ottobre 2023 ho intrapreso un viaggio nella scrittura di una serie di opere dedicate a Dino Campana. Alcune di queste, come la presente, sono concepite per Soñada sola, mentre altre costituiranno il corpus di un lavoro più ampio dedicato al melologo per Soñada e Voce recitante. Durante una conversazione con la mia agente Elena Marazzita riguardante alcuni testi utilizzabili per un progetto di diversa natura, la visione del materiale campaniano mi ha affascinato così tanto che ho subito concepito l’idea di creare un’opera dedicata al poeta di Marradi. Ho quindi contattato Gianni Turchetta, studioso di Campana e docente di lettere moderne all’Università Statale di Milano, il quale è diventato fonte di ispirazione e una miniera inesauribile di sapere. Gianni Turchetta ha dedicato instancabilmente decenni allo studio dei testi di Campana ed è il curatore del Meridiano Mondadori dedicato al poeta. A Elena e Gianni dedico queste pagine. Parigi 6 Maggio 2024

Foreword

“The Longest Day” is the original title that Dino Campana attributed to the Canti Orfici, before Papini and Soffici lost, in November 1913, the manuscript, the only existing copy, as stated by Campana himself. Meanwhile, “the man of the woods” was the nickname used to refer to Dino Campana by the people of Marradi, due to his shy and sometimes unconventional behavior. In October 2023, I embarked on a journey in writing a series of works dedicated to Dino Campana. Some of these, like the present one, are designed for Soñada alone, while others will form a corpus of a larger work dedicated to the melodist for Soñada and Reciting Voice. During a conversation with my agent, Elena Marazzita, regarding some texts usable for a project of a different nature, the vision of Campana’s material fascinated me so much that I immediately conceived the idea of creating a work dedicated to the poet of Marradi. I then contacted Gianni Turchetta, a scholar of Campana and professor of modern literature at the University of Milan, who became a source of inspiration and an inexhaustible mine of knowledge. Gianni Turchetta has tirelessly dedicated decades to studying Campana’s texts and is the curator of the Meridiano Mondadori dedicated to the poet. I dedicate these pages to Elena and Gianni. Paris, May 6, 2024.

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Christian Lavernier

“L’uomo dei boschi”

Prefazione

“Il più lungo giorno” è il titolo originario che Dino Campana attribuì ai Canti Orfici, prima che Papini e Soffici perdessero, nel novembre del 1913, il manoscritto, unico esemplare esistente, come dichiarato dallo stesso Campana. Mentre “l’uomo dei boschi” era il soprannome usato per riferirsi a Dino Campana dagli abitanti di Marradi, a causa del suo comportamento schivo e a volte non convenzionale. Nell’ottobre 2023 ho intrapreso un viaggio nella scrittura di una serie di opere dedicate a Dino Campana. Alcune di queste, come la presente, sono concepite per Soñada sola, mentre altre costituiranno il corpus di un lavoro più ampio dedicato al melologo per Soñada e Voce recitante. Durante una conversazione con la mia agente Elena Marazzita riguardante alcuni testi utilizzabili per un progetto di diversa natura, la visione del materiale campaniano mi ha affascinato così tanto che ho subito concepito l’idea di creare un’opera dedicata al poeta di Marradi. Ho quindi contattato Gianni Turchetta, studioso di Campana e docente di lettere moderne all’Università Statale di Milano, il quale è diventato fonte di ispirazione e una miniera inesauribile di sapere. Gianni Turchetta ha dedicato instancabilmente decenni allo studio dei testi di Campana ed è il curatore del Meridiano Mondadori dedicato al poeta. A Elena e Gianni dedico queste pagine. Parigi 6 Maggio 2024

Foreword

“The Longest Day” is the original title that Dino Campana attributed to the Canti Orfici, before Papini and Soffici lost, in November 1913, the manuscript, the only existing copy, as stated by Campana himself. Meanwhile, “the man of the woods” was the nickname used to refer to Dino Campana by the people of Marradi, due to his shy and sometimes unconventional behavior. In October 2023, I embarked on a journey in writing a series of works dedicated to Dino Campana. Some of these, like the present one, are designed for Soñada alone, while others will form a corpus of a larger work dedicated to the melodist for Soñada and Reciting Voice. During a conversation with my agent, Elena Marazzita, regarding some texts usable for a project of a different nature, the vision of Campana’s material fascinated me so much that I immediately conceived the idea of creating a work dedicated to the poet of Marradi. I then contacted Gianni Turchetta, a scholar of Campana and professor of modern literature at the University of Milan, who became a source of inspiration and an inexhaustible mine of knowledge. Gianni Turchetta has tirelessly dedicated decades to studying Campana’s texts and is the curator of the Meridiano Mondadori dedicated to the poet. I dedicate these pages to Elena and Gianni. Paris, May 6, 2024. 

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Christian Lavernier

“Bach & Back”

 

Prefazione

L’idea di scrivere un piccolo omaggio a J.S. Bach, usando un frammento iniziale della Suite per liuto 1006a è nata molti anni fa, e per molto tempo ho utilizzato questo incipit inserendolo in alcune improvvisazioni di concerti live. L’idea proposta è infatti una traccia, che sfrutta la tonalità di Mi Maggiore e che poi muta, inserendo elementi modali esterni alla tonalità. La traccia è una pura indicazione di svolgimento ma l’esecutore potrà prenderne eventualmente spunto per creare la propria strada improvvisata, arricchendo il dialogo musicale. Anche il finale è volutamente “aperto”, in un ipotetico gioco infinito di possibilità mescolando tonalità e modalità, una sorta di “gioco armonico” che di tanto in tanto fa rifiorire il tema iniziale o frammenti del tema iniziale, utilizzati come spunto per ricreare materiale sempre nuovo.

Parigi 6 Dicembre 2023

 

Foreword

The idea of writing a small homage to J.S. Bach, using an initial fragment from Suite for Lute 1006a, was born many years ago, and for a long time, I have used this incipit for some improvisations during live concerts. The proposed idea is, in fact, a track that exploits the key of E Major and then changes, incorporating modal elements external to the key. The track is a mere indication of development, but the performer can potentially draw inspiration from it to create their own improvised path, enriching the musical dialogue. Even the ending is deliberately “open” in a hypothetical infinite game of possibilities, blending keys and modes, a kind of “harmonic game” that occasionally brings back the initial theme or fragments of the initial theme, used as a starting point to recreate ever-new material.

Paris 6 December 2023

 

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Christian Lavernier

“Il Ringhio”

 

PREFAZIONE

Extracomunitario, straniero, immigrato, clandestino, irregolare, migrante.Sui giornali, in televisione, sul web li sentiamo continuamente nominare. Sono decine di migliaia. Crescono ogni anno. Abbiamo continue notizie statistiche, notizie sui flussi di provenienza, notizie su centri di accoglienza/detenzione stracolmi, notizie di politica estera, notizie su accordi e contrasti con gli stati africani. Nessuna notizia su come l’occidente abbia impietosamente depredato il continente africano per più di un secolo. Oggi hanno trasferito 500 clandestini da qui a lì, 278 fermati alla frontiera, la Francia ce ne restituisce 36 di cui 12 smaltiti in centri governativi, 20 in centri di accoglienza straordinari, e 4 in strutture di accoglienza provvisorie. Per alcuni il problema è di facile soluzione: chiudere i porti, vietare il soccorso in mare o anche affondare i barconi con armamenti adeguati. “Vengono qui a rubarci il lavoro”, “aiutiamoli a casa loro”, “ non sono razzista, ma…”, “negher fora di bal”. Il 36% per cento sono così, il 22% sono cosà, 127.342 coperte, 364.237 paia di carpe, servono 5.347.834 litri di acqua potabile, 6.357.000 bastoncini di pesce per avere almeno 245.334.556 calorie…Numeri. Percentuali. Proiezioni. Quasi nessuno parla di persone.Sono persone. Persone. Ognuna con una propria storia, una famiglia, un lavoro, un problema di sopravvivenza, un anziano da accudire. Sono operai, disoccupati, artigiani, laureati, criminali, uomini di fede, contadini, artisti, politici, nullafacenti, astrofisici, ignoranti, professori, esattamente come da noi, come in tutto mondo. Provo a mettermi nei loro panni: ignaro del mio futuro faccio salire i miei figli e mia moglie incinta su un gommone che perde pezzi per arrivare non si sa dove, forse.Lo faccio davvero. Valuto che è la cosa migliore per me e per loro. Per decidere di fare un gesto simile, da cosa sto scappando? Palesemente l’orrore da cui sto fuggendo è tale che preferisco rischiare la mia vita e quella della mia famiglia per un futuro sconosciuto piuttosto che restare. Dice Gesù: . (Mt 25,34-35) “Beati voi, perché ero straniero e mi avete accolto”. Il 74,4 degli italiani sono cattolici. Evidentemente per il problema dell’immigrazione c’è una deroga divina.

Christian Lavernier & Ugo Dighero

 

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Christian Lavernier

“The Gate of Hell”

 

 

PREFAZIONE

La Porta dell’Inferno venne commissionata a Auguste Rodin da Edmond Turquet nel 1880. Doveva essere collocata al Musée des Arts Décoratifs di Parigi, ma questo progetto non vide mai la sua realizzazione, poiché Rodin lavorò alla porta per quasi quarant’anni, fino alla sua morte. Non vide mai la sua opera finita e fusa. All’interno collocò tutte le sue opere, come fosse un racconto della sua traiettoria artistica riunita in un solo unico monumentale gesto. Osservando la porta qui a Parigi, ho cercato di scavare a fondo per trovare i suoni che potessero raccontare il mio sentire osservando l’opera. Un entrare incerto, strisciando l’arco della Soñada, come fosse un respiro. Successivamente l’intonazione del monocordo con un bending ampio che imita un gemito sono il preludio di una melodia arpeggiata che sfocia in una sezione centrale con note ornamentali a cascata, quasi improvvisate, come un rotolare, uno scivolare incessante con una linea melodica affidata alle corde basse, percosse con la sola mano sinistra in risonanza e l’arco usato come pedale. Al termine di questa sezione si torna alla melodia iniziale, leggermente variata, ma con incedere incerto (un poco “frastornato” sognante e rubando). Questa parte porta a un finale volutamente aperto “ad libitum”, come se la porta non avesse mai una fine.

Parigi, 30 Agosto 2023

 

FOREWORD

The Gates of Hell was commissioned from Auguste Rodin by Edmond Turquet in 1880. It was to be placed in the Musée des Arts Décoratifs in Paris, but this project was never realized, since Rodin worked on the door for nearly forty years until his death. He never saw his work finished and cast. Inside he placed all his works, as if it were a narrative of his artistic trajectory brought together in one monumental gesture. Looking at the door here in Paris, I tried to dig deep to find the sounds that could tell the story of how I felt while observing the work. An uncertain entry, crawling the arch of the Soñada, as if it were a breath. Next, the monochord intonation with a wide bending that mimics a groan are the prelude to an arpeggiated melody that flows into a middle section with ornamental notes in cascade, almost improvised, like a rolling, incessant glide with a melodic line entrusted to the low strings, struck with only the left hand in resonance and the bow used as a pedal. At the end of this section, there is a return to the initial melody, slightly varied, but with an uncertain gait (a little “dazed” dreaming and stealing). This part leads to a deliberately open ending “ad libitum,” as if the door never has an end.

Paris, August 30, 2023

 

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Christian Lavernier

“SAMO©️”

 

Prefazione

Ho sempre pensato a Jean-Michel Basquiat come uno strano caso dove le idee artistiche si sono concentrate con una maturità “innaturale” in un periodo brevissimo di tempo. Molto spesso si parla di “periodo giovanile” e “maturità artistica”. Non è certamente valido per lui, che ha concentrato tutto in un punto dello spazio tempo e ha regalato al mondo se stesso. SAMO© è lo pseudonimo con il quale Basquiat si firmava insieme ad Al Diaz a New York tra il 1978 e il 1980. Graffiti, scritti, disegni, espressione spontanea di un disagio trasformato in arte senza mediazione. Il brano che ho composto cerca una scrittura diversa aggiungendo pentagrammi, rispetto a una tradizionale scrittura e parti improvvisate, cercando una linea sottile che esiste dentro l’interprete che affronta questa musica. Ho usato volontariamente molti simboli, ci sono due pagine di legenda, per non perdere l’interiorità, direi l’anima dell’esecutore e non imbrigliare la musica in una grafia tradizionale. Non ho cercato il gesto o lo stupore, lo stupore è momentaneo e una volta svanito non resta nulla. Ho invece indagato il limite di un’interpretazione scritta su uno strumento come La Soñada che oggi muove i suoi primi passi. L’uso dello slide rende molte parti liquide e volutamente improvvisate, rimanendo ancorati a un’idea di tensione sonora espressa con una grafica alternativa. Il finale é volutamente non risolto, con un pianissimo che continua nel vuoto, come se l’opera non avesse un finale definito. Jean-Michel Basquiat, nel mio immaginario, comincia a esistere quando ci dimentichiamo del tempo che ci inchioda al suolo. Nella sua opera non esiste nessun passato e nessun futuro, ma solo un presente che sembra essere cosi  nitido da fermare i nostri orologi.

Parigi 29 Maggio 2023

 

Foreword

I have always thought of Jean-Michel Basquiat as a strange case where artistic ideas were concentrated with “unnatural” maturity in a very short period of time. Very often we talk about “youth period” and “artistic maturity.” It certainly does not apply to him, who concentrated everything at one point in space-time and gave himself to the world. SAMO© is the pseudonym under which Basquiat signed himself and Al Diaz in New York between 1978 and 1980. Graffiti, writings, drawings, a spontaneous expression of distress transformed into art without mediation. The piece I composed seeks a different writing by adding staves, as opposed to a traditional writing and improvised parts, looking for a thin line that exists within the performer who faces this music. I voluntarily used a lot of symbols, there are two pages of legend, in order not to lose the interiority, I would say the soul of the performer and not to harness the music in a traditional spelling. I did not look for the gesture or the astonishment, astonishment is momentary and once it vanishes nothing remains. Instead, I investigated the limit of a written interpretation on an instrument like La Soñada that is taking its first steps today. The use of the slide makes many parts liquid and deliberately improvised, remaining anchored to an idea of sound tension expressed with alternative graphics. The ending is deliberately unresolved, with a pianissimo that continues into the void, as if the work had no definite ending. Jean-Michel Basquiat, in my imagination, begins to exist when we forget the time that pins us to the ground. In his work there is no past and no future, only a present that seems to be so sharp that it stops our clocks.

Paris 29 May 2023

 

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Christian Lavernier

“Dubliners”

 

 

PREFAZIONE

Gente di Dublino (Dubliners), noto anche come I dublinesi, venne pubblicato nel 1914 da Grant Richards, dopo innumerevoli rifiuti da parte di svariate case editrici. Il libro poi venne ritirato dallo stesso editore. In realtà l’opera venne stampata in poco più di mille esemplari nel 1909, ma la tiratura limitata fu successivamente distrutta dallo stesso editore irlandese Maunsel. Inizialmente Dubliners, doveva essere un capitolo dell’Ulisse, ma l’idea venne abbandonata. Fu così che nel 1914 James Joyce iniziò a scrivere Ulisse, un romanzo che terminò sette anni dopo nell’ottobre del 1921 e che cambiò per sempre la storia della letteratura mondiale. Questo brano è un omaggio a James Joyce, immaginando di essere con lui nel centro di Dublino, con il rumore della città in movimento che entra dento le nostre teste e apre al flusso di coscienza portando i nostri pensieri in un altrove ipotetico. La struttura dell’opera si apre con una piccola introduzione a corde stoppate che prelude al suono vorticoso, “la città che si muove”, usando la tecnica del “Fingerkuppen”. Successivamente si aprono due melodie ancestrali, “il flusso di coscienza”. Queste melodie sostenute da bassi liberi e sonori sembrano terminare ripiegando su se stesse, ma in realtà sfociano una dentro l’altra con leggere variazioni. La ripresa fa tornare il vorticoso movimento della città, come se nulla al di fuori di noi si fosse realmente fermato. Il finale è affidato a un flebile suono “PPP” in iperacuto armonico, come se ci allontanassimo fisicamente da quel luogo e sentissimo una campanella in lontananza, bisbigliando, forse quella di un tram che passa veloce e porta con sé altri pensieri. Un’ultima nota… Questo lavoro è dedicato a Carlos Gonzales, liutaio creatore della Soñada e persona il cui flusso di coscienza genera miracoli su legno.

Parigi 14 Aprile 2023

Christian Lavernier

FOREWORD

The Dubliners was published in 1914 by Grant Richards, after countless rejections from various publishing houses. The book was later withdrawn by the same publisher. The work was actually printed in just over 1,000 copies in 1909, but the limited run was later destroyed by the Irish publisher Maunsel himself. Initially Dubliners, was to be a chapter in the Ulysses, but the idea was abandoned. So it was that in 1914 James Joyce began writing the Ulysses, a novel that he finished seven years later in October 1921 and forever changed the history of world literature. This piece is a tribute to James Joyce, imagining that we are with him in downtown Dublin, with the noise of the moving city entering our heads and opening to the stream of consciousness taking our thoughts to a hypothetical elsewhere. The structure of the work opens with a small stoppered string introduction that preludes to the swirling sound, “the moving city,” using the “Fingerkuppen” technique. Next, two ancestral melodies, “the stream of consciousness,” open. These melodies supported by free, sonorous basses seem to end by folding in on themselves, but actually flow one into the other with slight variations. The reprise brings back the swirling movement of the city, as if nothing outside of us has really stopped. The ending is entrusted to a faint “PPP” sound in hyperacute harmonic, as if we were physically moving away from that place and heard a bell in the distance, whispering, perhaps that of a speeding streetcar carrying other thoughts with it. One last note… This work is dedicated to Carlos Gonzales, luthier creator of the Soñada and a person whose stream of consciousness generates miracles on wood.

Paris April 14, 2023

Christian Lavernier

 

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Christian Lavernier

“Aurea”

(For Clarinet and Piano)

PREFAZIONE

Aurea è un brano scritto per clarinetto e pianoforte, due strumenti che mi hanno sempre affascinato sia per il loro suono che per la loro dinamica complicità. Il titolo rimanda direttamente alla costruzione interna della composizione che segue la sezione aurea di Fibonacci. Nella sua struttura formale viene esposto un tema, che passa dal pianoforte al clarinetto ; successivamente vi è una parte centrale dove si elabora uno sviluppo libero. In seguito, il tema viene ripreso ma invertendo le entrate e rovesciando le parti. Ho volutamente scritto le indicazioni metriche delle battute fuori dal pentagramma per una maggiore comprensione e facilità di lettura. Questa piccola opera è dedicata al clarinettista Tommaso Lonqhich, che ne ha ispirato la sua realizzazione e che ringrazio per i preziosi consigli.

Parigi, 05 Marzo 2023 Christian Lavernier

FOREWORD

Aurea is a piece written for clarinet and piano, two instruments that have always fascinated me both for their sound and their dynamic complicity. The title refers directly to the interna construction of the composition, which follows Fibonacci’s sequence. In its formal structure, a theme is expounded, which passes from the piano to the clarinet; then there is a central part where a free development is elaborated. Later, the theme is taken up again but by inverting the entrances and reversing the parts. I have deliberately written the metrical indications of the bars off the staff for greater understanding and ease of reading. This small work is dedicated to clarinetist Tommaso Lonqhich, who inspired its creation and whom I thank for valuable suggestions.

Paris, 05 March 2023 Christian Lavernier

 

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Alessandro Solbiati

“SIX FOIS ONZE”

 

 

SIX FOIS ONZE è stato composto su richiesta di Christian Lavernier, che ringrazio sentitamente per la collaborazione strumentale fornita. Il brano è a lui dedicato. La soñada è un particolarissimo strumento costruito per Christian Lavernier dal liutaio Carlos Gonzales. Si tratta di una sorta di incrocio tra una chitarra e una tiorba: la base è costituita da una chitarra a sette corde (alle tradizionali sei se ne aggiunge una settima più grave, accordata in re). A tali sette corde si aggiungo quattro corde di risonanza, o di bordone, più gravi, normalmente accordate in sol-la-si-do, ma che nel corso dei sei movimenti di SIX FOIS ONZE vengono variamente scordate. Tali quattro corde non possono essere tastate, in quanto fuori tastiera, ma possono essere suonate in vario modo, producendo risonanze o suoni smorzati o armonici e così via. La profondità di suono di questo strumento è davvero straordinaria, e ringrazio dunque Christian Lavernier di avermi dato la possibilità di conoscerlo ed indagarlo fino a comporre questi sei brevi movimenti, molto diversi l’uno dall’altro.L’esecuzione integrale è naturalmente decisamente preferibile, ma lascio all’interprete la possibilità di un’esecuzione parziale, in particolari circostanze. Le alterazioni valgono solo per la nota davanti alla quale sono poste

DURATA: 13

Edizioni Suvini Zerboni

(Alessandro Solbiati)

 

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Andrea Talmelli

“Dreams”

 

Dreams rappresenta uno dei primissimi brani del progetto sviluppato dal chitarrista Christian Lavernier sullo strumento a 11 corde costruito dal liutaio Carlos Gonzales. Fin da quando lui stesso me ne parlò con molto entusiasmo la prima volta nel 2017 ho avvertito il fascino di aderire a qualcosa di profondamente nuovo, di esserne anzi quasi un pioniere, e nello stesso tempo mi accorsi anche della difficoltà di essere all’altezza dei “sogni” che si voleva realizzare. Non è infatti facile accingersi a scrivere musica per uno strumento “a solo” che non si è mai visto e di cui non si conosce altro che qualche notizia tecnica sulla fattura e sulla costruzione. Tanto più che sarebbe stato inevitabile, per esaltare proprio le caratteristiche innovative dello strumento, entrare in profondità, anche rispetto gli altri parametri del suono, proprio sulle risorse timbriche che si potevano e dovevano esaltare ed esprimere con questa invenzione di eccezionale artigianato artistico. E dunque, legate alle risorse timbriche, altrettanto inevitabile diventava la ricerca sugli infiniti modi di produzione del suono e sul poterne rappresentare la esatta resa esecutiva con adeguata notazione, una volta capite le possibilità offerte dalla sua originale fattura. Benchè avessi una discreta esperienza compositiva maturata fin dal mio primo brano chitarristico del 1987, non a caso dedicato a Vincenzo Galilei – padre non solo del fisico Galileo ma anche del liutaio Michelangelo – e al Dialogo della musica antica e della moderna; questa diversa sfida imponeva una concentrazione massima sia sull’uso di stilemi propri del linguaggio musicale contemporaneo che dovevano integrarsi o allargarsi sulle nuove possibilità strumentali, e sia sulla verifica continua della narrazione che si voleva proporre col brano. Dove il titolo, Dreams, va detto, finisce quasi per sovrapporsi e identificarsi con lo strumento inventato da Gonzales, la Soñada. Ho avuto la fortuna di avere al mio fianco proprio il “sognatore” di questo progetto, Christian Lavernier, con il quale tenni per mesi un dialogo a distanza fatto di telefonate serali interminabili, esempi trasmessi in videoconferenza con Parigi, scambio di files MP3 anche per pochissime battute ed effetti studiati e per indispensabili verifiche d’ascolto di quel che si andava costruendo.  E quel che si andava costruendo era appunto un viaggio sconosciuto nel sogno d’artista. “Prova ad ascoltare al buio e ad occhi chiusi, e poi mi dici” mi invitava più volte Lavernier nelle nostre conversazioni. E nel sogno le emozioni parevano esprimersi con tutti i loro contrasti affettivi, dall’inquietudine alla serenità, dalla durezza alla dolcezza di suoni e agglomerati sonori ora chiari e ora volutamenteconfusi tra i bordoni, dai diversi piani di contrappunti complessi a momenti di indugio ossessivo su domande inevitabili ed inevase della vita. Infine, a momenti di apertura e di umane aspettative su questo universo infinito, un paesaggio notturno in cui ognuno potrebbe anche perdersi insieme ai frutti generosi della propria ricerca di vita e sul suono.

(Andrea Talmelli)

 

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Christian Lavernier

Light Side – for “Soñada” 11 Strings

 

“Light Side” is a tribute to the art of Lucio Fontana and his search for a “third” dimension beyond the canvas. The long work done on the cuts leads to a different concept than the bi-dimensionality of the canvas. It was Lucio Fontana himself who wrote: “I never wanted to destroy, on the contrary, I wanted to create because light passes through it”. The idea for this work for “La Soñada”, an eleven-string guitar made by the luthier Carlos Gonzalez, starts from the idea of exploiting an initial sound input given by the rubbing of the finger of the right hand on the eleventh string, creating a sound effect reminiscent of the cutting of the canvas. This creates a resonant, suspended melody that accompanies the whole piece, interspersed with the cuts made by the eleventh string when rubbing the fingernail on it, as if one could see beyond the canvas and imagine new figures. The main melody, always free and resonant, ends with a diminuendo finale that tends to become weaker until it stops in suspension.

Paris, 9 Marzo 2022

Christian Lavernier

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Christian Lavernier

Oumuamua – for Theremin and Guitar

 

Oumuamua è il primo oggetto interstellare avvistato nella nostra galassia e il suo nome, preso dalla lingua hawaiana, deriva dal fatto che il telescopio che lo ha osservato per primo si trova proprio in queste isole. In lingua indigena Oumuamua significa “messaggero che arriva da lontano”. L’asteroide, di forma allungata e insolita, venne scoperto nel 2017 presenta una traiettoria iperbolica, particolarmente anomala rispetto a quella di altri oggetti osservati nel nostro sistema solare, tanto da attirare l’attenzione di vari studiosi che hanno formulato diverse ipotesi, spaziando dalla formazione naturale a quella di artefatto interstellare. Tuttavia non possiamo conoscere con certezza la sua provenienza e Oumuamua resta ancora oggi un enigma per gli scienziati. Si è avvicinato alla terra fino a una distanza minima di 24 Milioni di chilometri per poi allontanarsi accelerando a una velocità di circa 70000 miglia orarie. Una vera e propria “visita lampo” quella di Oumuamua che tra circa quattro anni tornerà nello spazio interstellare da dove proviene. Quest’opera è dedicata al duo formato da Thorwald Jørgensen e Josip Dragnić, rispettivamente theremin e chitarra. Il theremin è uno strumento elettronico inventato nel 1919 dal fisico sovietico Lev Sergeevič Termen. Le caratteristiche di questo particolare strumento, che prevede oscillatori che lavorano in isofrequenze producendo battimenti e quindi onde sonore, mi hanno spinto a scrivere questa partitura. In principio si sentono come delle interferenze radiofoniche date dai glissati del theremin, poi una lenta avanzata fa intervenire anche la chitarra. Successivamente, tutto si getta in un vortice sonoro che pare avvicinarsi e poi dissolversi nel nulla come il passaggio di Oumuamua.

 

Parigi, 9 Marzo 2022 Christian Lavernier

 

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Christian Lavernier

Helgoland – for “Soñada” 11 Strings

 

Helgoland is an island in the North Sea where Werner Heisenberg conceived his theory of quantum physics, which still today brings with it enigmas and confirmations. The idea for this piece written for La Soñada came after reading a book by Carlo Rovelli entitled “Helgoland” and after many conversations with Antonella Fatai, a brotherly friend who has been involved in mathematics, physic and teaching all her life. The beginning of the piece is not accidental. From the beginning until bar twenty-four a retrograde mirror canon is developed. In this type of canon the following voice starts from the last note of the previous one and continues backwards, ending with the initial note from which it started. If you overlap bar one and bar twenty-four or bar twenty-three and bar two, and so on, you will observe how the contents are overlapped and one is reversed, hence retrograde. Subsequently there is a whirling “tempo moderato” that makes everything much more fluid, with deep and low sounds and then returns in a “dreamy and fluctuating” time to our retrograde mirror canon that this time is further inverted in its internal structure, the beginning becomes the end and the end becomes the beginning. I dedicate this work to the Conti Fatai family, to Paolo, Antonella, Maria, Elisa, Anna, Matteo, Lorenzo and Elena Sofia. A part of me is indissolubly linked to them by a brotherly friendship.

Paris, 31 Marzo 2022 Christian Lavernier

Cover image – On the strings at home, by Lorenzo Raspanti

 

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Christian Lavernier

Deepawali – for Harp and Guitar

 

 Deepawali is one of India’s most important festivals symbolising the victory of light over darkness, good over evil and knowledge over ignorance. The mythical tales shared about Diwali are numerous but they all share a common focus on righteousness, self-inquiry and the importance of knowledge being the path to overcoming ‘the darkness of ignorance’. It is celebrated with a grand spectacle of candles and lights and is also called the festival of light. The celebrations include prayers before one or more Hindu deities, the most common being Lakshmi who symbolises three virtues: wealth and prosperity, fertility and abundant harvests, as well as good luck. It is a way of celebrating the light within each human being and sharing it with others. The idea of this piece, dedicated to the harpist Floraleda Sacchi, is a dialogue between guitar and harp that exploits the rhythmic and dynamic aspect of the two instruments. At certain points, the two lines tend to touch and then continue in a chase that leads to very strong rhythmic syncopations that capture the heart of the piece. The two voices, harp and guitar, form a single idea of melody made possible by the sound and rhythmic similarities of the two instruments.

 

Paris, 8 Marzo 2022 

 

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Christian Lavernier

6 Studies For Guitar

 

There are many guitar studies on which generations of guitarists, including myself, have been trained and which still today remain milestones in the technical musical development of this instrument. However, I felt the need to give shape to my own proposal to elaborate and investigate some specific technical aspects concerning “Accents, Left Hand Jumps, Ligatures, Chords, Harmonics and Tremolo”. In the “Studio I” dedicated to accents, each aspect of the right hand is highlighted by passing the respective accents on each finger in rotation: index, middle, ring and thumb. In this way, a conscious and homogeneous control over movement and force is developed. In the “Studio II” dedicated to the jumps of the left hand, I have prepared a series of obligatory jumps that force the dialogue between “eye” and “joints” in a coordinated and joint manner. The eye will arrive, at an advanced stage of study, always before the left hand on the notes indicated. Studio III” is dedicated to ligatures, the cross and delight of every self-respecting guitarist. The various formulas proposed aim to develop a strengthening of those weaker joints, such as the middle ring finger, forcing unusual gestures that can often appear in various scores of both past and contemporary music. In “Studio IV” we work on timbre and sound balance in the tuning phase. The guitar is an instrument that produces sound in a unique way and the chords and their balance, the “sound filling”, depends on the right hand and its degree of sensitivity and control over the strings. The harmonics proposed in “Studio V” are instead a well known guitar technique and widely used in various eras, here proposed with the use of “artificial” harmonics mixed with natural harmonics and with a fingering “in imitation of the harp” using the thumb, index and ring fingers in a fluid way, reconstructing the chord and its movement. Finally, “Studio VI” on the tremolo, another technique peculiar to the guitar. The fingerings proposed, some of which, such as the middle and ring fingers on decidedly unusual rebates, form a balance and education of the joints even on unusual movements that many times are not fully controlled and can create an unbalance within the tremolo itself. In my studies I have tried to work out compositional formulas that will allow the student (or whoever is in an in-depth study of music) to understand possible technical weaknesses and overcome them without forgetting that technique remains an individual matter.

Paris, 2 March 2022 Christian Lavernier 

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Christian Lavernier

Tres Almas

 

PREFAZIONE

Tres Almas, sono le anime che compongono questo lavoro per chitarra.Ilšu šame, è un’espressione accadica della quale devo la scoperta alla Dott.ssa Francesca Nebiolo, assiriologa, studiosa della storia e della letteratura della Mesopotamia. Il suo significato è «rombo del cielo» o ancora «ruggito del cielo», in senso più ampio e letterario. Dedicata al mio primo maestro Mario Senise che fu la mia guida per tanti anni e che, come “un ruggito del cielo”, diede origine e spinta alla mia passione per la musica e per la chitarra. Si è soliti dire “Patria” ma in questo caso più che mai Matria, da madre, è la parola più corretta. L’ omaggio che compone questo brano è dedicato alla figura di mia Madre, dalla quale ha avuto origine tutto (nel vero senso della parola) e che rimane nel mio ricordo e nella mia anima.Papier de Riz è un omaggio al pittore ed incisore giapponese Katsushika Hokusai, che imprimeva le sue opere su carta di riso con precisione e sapienza artistica assolute. Il brano scritto a Parigi il 27 Ottobre del 2014 è frutto dell’ impressione e dell’ influenza indelebile che le opere in mostra al Grand Palais di Parigi hanno lasciato in me. Sono grato a tutte le anime che mi hanno permesso di comporre queste partiture. A loro va il mio affetto e la mia stima.

 

PREFACE

Tres Almas, are the souls who compose this work for guitar. Ilšu šame is an akkadian expression that I discover thanks to Dr. Francesca Nebiolo, an assyriologist who works on the history and the literature of Ancient Mesopotamia. It means «the roar of the sky» in a wide and literary sense. Dedicated to my first teacher M° Mario Senise who was my mentor for many years and like a «roar of the sky» he gave birth and encouraged my passion for the music and for guitar. We use to say «Patria» (Homeland) but in this instance more than ever Matria, from the word «madre» (mother), is the correct form. The tribute in this piece is dedicated to my Mother, from whom everything was started (in the real sense). She remains in my memory and in my soul. Papier de Riz, it’s a tribute to the Japanese painter and engraver Katsushika Hokusai, who impressed his works on rice paper with absolute artistic wisdom and precision. The piece, wrote in Paris the 27th October 2014, is the result of the indelible feeling and influence that I felt in occasion of the exhibition at the Grand Palais in Paris. I’m grateful to all my souls who allowed me to compose these scores.  To all of them go my love and esteem.

(Christian Lavernier Parigi, 12 Settembre 2016)

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Nicola Campogrande

12 Preludi a Getto di Inchiostro

Per la Soñada – chitarra a 11 corde

Revisione e Diteggiatura Christian Lavernier

 

 

“I miei dodici Preludi a getto d’inchiostro sono stati scritti, nel 2001, per chitarra. Dopo aver ascoltato il suono de La Soñada, nel 2018 ho deciso di preparare una versione ad hoc, che sfrutti tutte le 11 corde di questo straordinario nuovo strumento. L’ambizione della raccolta è quella di disegnare un mondo. E’ un mondo postmodern, in cui ci si può fermare ad osservare particolari architettonici del passato e guizzi del presente, in cui si ascoltano riferimenti a forme classiche ripensate con disincanta allegria, un mondo che cerco di dipingere regalandomi tempi di lavoro molto lunghi e distillando poi il risultato in pagine che abbiano addosso il brivido della sintesi. Se io fossi un computer, questi Preludi sarebbero la mia stampante: molto lavoro a monte, un solo gesto rapido per riempire il foglio.”

(Nicola Campogrande)

“L’incontro con Nicola Campogrande è avvenuto in un luogo dove storia, arte e tempo si fondono e si fermano. L’Auditorium Mecenate in Roma, nel giugno 2018, ha visto l’inizio di un percorso di avvicinamento tra la sua concezione di musica e la mia visione di nuovi percorsi espressivi. La Soñada è il nostro punto d’incontro. Un amplificatore di suoni e suggestioni, strade ed intuizioni. I dodici “Preludi a getto d’inchiostro” pensati per la Soñada sono il risultato di un Big Bang avvenuto 17 anni fa nella mente di questo incredibile compositore. Ora ho il privilegio di condividerne l’evoluzione ed interpretarne la sintesi.”

(Christian Lavernier)

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Azio Corghi

Redobles Y Consonancias

Per la Soñada – chitarra a 11 corde

Revisione e Diteggiatura Christian Lavernier

 

Pubblicata dalle edizioni Universal Music-Ricordi la nuova opera del M° Azio Corghi dedicata al musicista Christian Lavernier ed alla sua Soñada, strumento ad undici corde unico al mondo presentato ufficialmente a Parigi e a Tokyo nella primavera 2018. L’opera vedrà la prima esecuzione mondiale a Palazzo Te a Mantova il 19 ottobre 2018, in occasione della mostra del pittore Gerhard Richter.

Info su prima esecuzione sul calendario ufficiale della Universal Music RICORDI – Publishing Classic: 

https://www.stretta-music.ch/fr/corghi-redobles-y-consonancias-nr-773259.html